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Mr. Big

Sábado, 21 de julio de 2018

Gran concierto de hard rock de toda la vida. El bajista sigue siendo de los mejores.

Este es el playlist del concierto:

Daddy, Brother, Lover, Little Boy (The Electric Drill Song)

American Beauty

Undertow

Alive and Kickin'

Temperamental

Just Take My Heart

Take Cover

Green-Tinted Sixties Mind

Everybody Needs a Little Trouble

Price You Gotta Pay

Guitar Solo

Open Your Eyes

Wild World

Damn I'm in Love Again

Rock & Roll Over

Around the World

Bass Solo

Addicted to That Rush

To Be With You

1992

Colorado Bulldog

Defying Gravity

La Favorite

Viernes, 20 de julio de 2018

Escapada desde Benicassim para disfrutar de la última ópera de la temporada, tras haberme perdido la Lucia di Lammermoor del Teatro Real por partida doble: no pude asistir (a pesar de haber cambiado ex profeso las entradas para otra fecha) y el intento de verla en una sala en el marco de la semana de la ópera fue un fiasco en toda regla. Intentamos verla en Les coves de Vinromá, pueblo del interior de Castellón.

Me centro en La Favorita, que no ha sido de las mejores óperas que he visto esta temporada.

Dirección Musical

Corre a cargo del americano Patrick Summers, actual director musical de la Ópera de Houston, donde acaba de dirigir con éxito otra ópera belcantista como es la Norma de Vincenzo Bellini.

Reparto Vocal

Leonore de Guzmán, amante del rey, cantado por la italiana Daniela Barcellona.

Fernand, enamorado de Leonor, interpretado por Stephen Costello, quien no está en el mejor momento de su carrera.

Alphonse XI, rey de Castilla, por el italiano Mattia Olivieri, quien creo que debuta en nuestro país.

Balthazar, prior del monasterio, por el bajo croata Ante Jerkunica, quien ya fuera Sparufucile la temporada pasada  en este mismo teatro, donde dejó un buen recuerdo.

Producción Escénica

La Dirección Escénica se debe al español nacido en Francia,  Ariel García Valdés, siendo una coproducción del Liceu y del Teatro Real, que se estrenara en Barcelona en el año 2012, llegando al año siguiente a Madrid.

Un escenario único con una gran roca en el centro del mismo y un fondo desnudo en forma semicircular. Los giros de la roca son los que hacen evocar las distintas situaciones. Bastante pobre. El vestuario tampoco ha destacado demasiado.

Guns n Roses

Viernes, 20 de julio de 2018

Gran concierto con los mejores amigos en el Estadi Olímpic Lluís Companys. Justo 25 años después de verles mi primera (y única) vez en el estadio Vicente Calderón en 1993, vuelvo a disfrutar en directo de una de mis bandas míticas. 

Fin de semana de verano en Barcelona con Marcos, Martín y Juan para el concierto de Gun n' Roses. ¿Qué puede salir mal? Pues nada, fue un concierto memorable por el grupo y la compañía.

Tres horas y media de concierto dándolo todo. Parecía que estaban viejos (y lo están), pero han estado a punto de acabar con nosotros. Antes tocó el grupo danés Volbeat. Sin pena ni gloria para nosotros, que estábamos a otros menesteres como beber cerveza y comprar camisetas.

El setlist del concierto:

It's So Easy

Mr. Brownstone

Chinese Democracy

Welcome to the Jungle

Double Talkin' Jive

Better

Estranged

Live and Let Die

Slither (Velvet Revolver cover)

Rocket Queen

Shadow of Your Love

You Could Be Mine

Attitude (Misfits cover) ("You Can't Put Your Arms… more )

This I Love

Civil War

Yesterdays

Coma

Slash Guitar Solo

Speak Softly Love (Love Theme From The Godfather)

Sweet Child O' Mine

Wichita Lineman (Jimmy Webb cover)

Used to Love Her

Don't Cry

Wish You Were Here (Pink Floyd cover)

November Rain

("Layla" instrumental intro… more )

Black Hole Sun (Soundgarden cover)

Knockin' on Heaven's Door

Nightrain

Encore:

Patience

The Seeker (The Who cover)

Paradise City

Iberian Gangsters

Viernes, 20 de julio de 2018

Iberian gangsters, crítica teatralGürtel, Lezo, Púnica, Campeón, Palau, Millet, ERE’s, Bárcenas, Matas, Naseiro, Pujol, Acuamed, Baltar, Bankia, Rato, Blesa, Emperador, Brugal, Matas, Guateque, Fabra, Guerra, ITV, Pallerols, Malaya, Filesa, Malesa, Time-Sport, Pokemon, Pretoria, Urdangarin, Taula, etc… estas palabras tienen un factor común entre sí …¡efectivamente, ha acertado!, todas ellas ponen nombre a diferentes casos de corrupción, originados en la ambición por el dinero ajeno en esta España nuestra por parte de quienes deberían velar por el interés general común, pero también forman parte del número musical, magníficamente interpretado “a capella”, con el que se abre el espectáculo “Iberian gangsters”, producción de “Meridional Producciones”, sobre texto original de Julio Salvatierra, con música de Alberto Granados y hábil dirección de Álvaro Lavín, exhibido en estos días en “El Pavón Teatro Kamikaze”, consiguiendo sorprendernos con una alta calidad artística y un sentido de la ironía medido, que no evita una profunda crítica a la realidad social de nuestro país, y de nuestros políticos, pero hecho desde el humor y sin exageraciones.

Rafael Velasco es un veterano político imputado por corrupción siendo ministro del partido conservador, cuarenta años después de que entrara en política a través del partido comunista, desde donde pasó al partido socialista, llegando a poder pisar las gruesas alfombras de la consejería autonómica que alcanzó en esa época. En un viaje en el que hizo equipo con su mujer, Amparo, que fue quien le captó para el partido socialista, y con su hija, Amanda, nacida en el influjo de las notas de “..te recuerdo, Amanda, la calle mojada…”, en voz de Víctor Jara, y ahora convertida en firme promesa de las nuevas generaciones del partido conservador, dispuesta a continuar el sendero marcado por su padre.Iberian gangsters, crítica teatral

Los números musicales que se integran en la trama lo hacen de forma perfecta, convirtiéndose en una parte esencial que ayuda a contar la historia que se nos presenta, destacando las interpretaciones que realizan Clara Alvarado, Miguel Ángel Gamero, Chani Martín, Eva Martín, Xavi Melero e Iván Villanueva, los cuales permanecen en escena de forma permanente durante los 90 minutos del espectáculo. Todo el elenco, en su conjunto, consigue un trabajo “muy afinado”, en el mejor sentido del término.

“¡Yo, en realidad, no quería ser político! …pero acabé en ministro”.

La escenografía representa un único espacio que recrea un bar de copas, que parece una especie de “karaoke” en el que los diferentes números musicales son parte del relato. Acertada iluminación de Luis Perdiguero, con un sutil trabajo de “videoescena” de Elvira Ruiz Zurita, que va recreando imágenes que nos recuerdan a los aguafuertes de Goya y un homogéneo trabajo de vestuario de Lupe Valero, que viste a todos los protagonistas con trajes negros.Iberian gangsters, crítica teatral

“Iberian gangsters” es todo un sainete lírico, muy bien trabajado, que conecta con el espectador desde el minuto uno, a base de sátira y humor, pero también de critica social, que a lo largo de la trama es capaz de hacer deslizar al espectador la inquietante pregunta de …¿y tú que hubieras hecho en la piel de Rafael Velasco?, con una respuesta que también se incluye en la propuesta de “Meridional Producciones”, a través de Amanda, la sorprendida hija, engañada por la verdad que escondían su padre y su madre, quien condena sus embustes, pero …después de hoy llegará mañana, y la vida continua…¡la corrupción está cantada!.

L' Elixir d' amore

Sábado, 26 de mayo de 2018

Una de las óperas cómicas y al mismo tiempo románticas más deliciosas de la historia del género. Nemorino es un ingenuo muchacho que sigue creyendo en elixires de amor para conquistar a su querida Adina. Esta lo hará sufrir hasta ser ella quien sucumba, enamorada del muchacho. Ternura y picardía se dan la mano gracias a la original y fresca música de Donizetti, último gran representante de la ópera bufa italiana. El Liceu retoma uno de sus montajes más exitosos de las últimas temporadas. Mario Gas ambienta la acción original en la Roma fascista, con el entrañable recuerdo del cine neorrealista.


Melodramma en dos actos. Libreto de Felice Romani. Estreno absoluto: 12/05/1832, Teatro della Canobbiana de Milán.

Reparto

Adina: Jessica Pratt

Nemorino: Pavol Breslik

Belcore: Paolo Bordogna

Dulcamara: Roberto de Candia

Giannetta: Mercedes Gancedo

Ficha artística

DIRECCIÓN MUSICAL:Ramón Tebar

DIRECCIÓN DE ESCENA: Mario Gas

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Marcelo Grande

ILUMINACIÓN: Quico Gutiérrez

PRODUCCIÓN: Gran Teatre del Liceu

ORQUESTA SINFÓNICA Y CORO DEL GRAN TEATRE DEL LICEU

Madama Butterfly

Jueves, 24 de mayo de 2018

El teniente estadounidense Pinkerton se casa con Cio-Cio-San, pero solo por un corto tiempo; una convención comúnmente aceptada en ese tiempo. Mientras que para él fue solo una aventura fugaz, para ella, fue amor verdadero. Después de su partida, ella espera ansiosamente su regreso. Cuando finalmente reaparece, Cio-Cio-San, la madre de su hijo, se da cuenta de que se ha vuelto a casar. Por desesperación absoluta, se mata a sí misma: "El que ya no puede vivir una vida honorable debe morir honorablemente".

Reparto:

Cio-cio-san (Butterfly) Elena Guseva

Suzuki Bongiwe Nakani

B.F.Pinkerton Massimiliano Pisapia

Sharpless Boaz Daniel

Director: Ramón Tebar

Director de Escena: Josef Gielen

Escenario y Diseño de vestuario: Tsugouharu Foujita

Winterreise

Domingo, 29 de abril de 2018


Gloriana

Sábado, 14 de abril de 2018

La producción es del Teatro Real junto a la English National Opera, una autoridad en este tipo de repertorio, y la Ópera de Amberes. La puesta en escena ideada por David McVicar es muy sobria y evita la tentación de trasplantar la trama a una época distinta. Aquí sí tienen sentido los pelucones, los trajes de época y los cortesanos, que por otra parte pegan mucho con el folclore acompañado a menudo de tenebrosos pedales. Todo con tal de desnudar a la reina. 

Concebida para la celebración de la coronación de la actual reina Isabel II, Gloriana, como se llamó a la reina Isabel I, fue considerada un insulto por cómo el retrato de la monarca, hija de Enrique VIII y Ana Bolena y fundamental en la historia del país. Era un encargo, pero Britten quiso hacer algo más allá de la pompa y la circunstancia. No gustó a las élites que acudieron al estreno, pero la reina Isabel II, que en ese momento tenía 26 años, y Felipe de Edimburgo, habían tenido una audición privada dos semanas antes y, según biógrafos como John Bridcut, a la reina y su marido probablemente no les escandalizó lo más mínimo. 

Sinopsis

A la salida de una celebración, la reina ofende públicamente a una rival. Todos asisten con estupor al incidente. La víctima reacciona con dolor y rabia. No está precisamente acostumbrada a sentirse humillada. Trata de protegerse, pero a la soberana en ejercicio le trae sin cuidado. No se sabe a ciencia cierta quién es la buena y quién es la mala, pero la ofensa parece en principio poca cosa en comparación con la reacción. El pueblo juzga.

La obra muestra con total crudeza las dos caras de una reina: la de monarca, con su solemnidad y poder público, y la de mujer con emociones íntimas y universales. Por ese motivo, Gloriana puede seguir siendo muy escandalosa para los que consideren que ciertos aspectos de la vida de los monarcas deben quedar fuera del debate público. Al mismo tiempo, puede resultar esclarecedora y hasta tranquilizadora para aquellos que, entendiendo la naturaleza de la institución, la aceptan sin complejos. 

El trabajo de Britten muestra todos los aspectos de una reina responsable, estadista, responsable del orden público, estratega, y de una mujer enamorada, despechada, víctima del machismo o que se siente vieja y traicionada el final de su reinado (murió casi con 70 años) por el conde de Essex, un antiguo amante al que acaba ejecutando por conspirar contra ella.

Hay un antes y un después del intermedio. Isabel I parece en los dos primeros actos una abeja reina (el traje ayuda) en una colmena de arcos dorados que se mueven, aunque también puede ser la estrella que se sitúa en medio de una galaxia, ya que en el escenario pueden verse varias esferas que recuerdan a planetas. En los dos primeros actos se dedica a terciar entre Robert Devereux (Leonardo Capalbo) y Lord Mountjoy (Duncan Rock), a labores de Estado o a actos y fiestas con súbditos que pueden llegar a hacerse largas si no fuera por la visita, a medio camino entre el guiño y la parodia, que Britten hace al folclore y música tradicional de su país.  

Pero de comportarse de manera "altanera, preciosa y orgullosa", que diría una canción de moda, en el tercer acto es sorprendida por el conde de Essex en el momento de mayor intensidad de la obra como una señora añosa, atormentada por el final de su vida y la fugacidad de su cuerpo. Es, junto con el trágico epílogo, el momento más logrado por su delicadeza en penumbra, por la violencia del intercambio y por la excelente interpretación actoral de ambos.

En ningún sitio más que en la alcoba se revela la verdad sobre la reina, en camisón y desprovista de cualquier grandeza. Es desprovista de corte, de ritual y a solas con el conde de Essex donde Isabel tiene que demostrar su poder, donde se puede ver su grandeza o su bajeza.

El momento no sólo revela la evolución psicológica y dramática del personaje, su relación con su muerte y con la vida de los demás. Sirve también como una monumental catarsis por el que Isabel I comienza a aceptar su destino, que no es otro que la redención a través de la tragedia, un hilo conductor recurrente en otras obras de Britten. Es ese momento en el que comprende que no se puede permitir que su objeto de deseo acabe por destruirla, aunque destruir a su objeto de deseo la introduzca para siempre en un estado de lúcida melancolía. La producción muestra muy bien los contrastes entre los diferentes momentos de la reinta, con un vestuario e iluminación precisos, pero sobre todo con una excelente actuación de Anna Caterina Antonacci, que encarna a la soberana y que fue aclamada por el público. 

El epílogo, con el dramatismo de sus partes habladas, pone la guinda a un espectáculo que evoca la soledad de una reina cansada de la responsabilidad. Como se define Isabel I, en palabras de William Plomer (autor del libreto o texto), "una soberana subida al escenario, sola, ante la mirada del mundo, que no debe equivocarse". La metáfora puede entenderse de muchas maneras. 

Andrea Chenier

Viernes, 6 de abril de 2018


The Prodigy

Viernes, 27 de octubre de 2017

Gran concierto. Menos mal que no fue muy largo, que ya tenemos una edad para estas cosas....

El setlist del concierto:

Breathe

Nasty

Wild Frontier

Omen

Firestarter

The Day Is My Enemy

Roadblox

Voodoo People

Get Your Fight On

Run With the Wolves

Invaders Must Die

Poison

Everybody in the Place

Smack My Bitch Up

Encore:

Their Law

No Good (Start the Dance)

Take Me to the Hospital

Las brujas de Salem

Miércoles, 1 de febrero de 2017

Un grupo de niñas, de adolescentes, bailan y cantan. Pubertad, juventud, deseo, primer amor, primera sangre, ríen... son vida.

Un grupo de adultos gritan, amenazan, pelean, rezan, golpean, condenan... son muerte.

Un grupo de niñas amenazan, acusan, vuelan y enferman... son palabra de Dios.

Un grupo de adultos confiesan, delatan, sufren, mueren... son palabra del Demonio.

Es increíble lo que es capaz de hacer un grupo de gente, la fuerza del ser humano.

Es increíble el terror que es capaz de inspirar un grupo de gente, la locura del ser humano.

Salem está construida sobre la estructura de una Iglesia-Estado, y toda la vida de los puritanos gira en torno a la religión, a la obediencia, y al temor de Dios. Temor… ya salió la palabra. El miedo. Ese viejo aliado de cualquier forma de poder... y tan presente en nuestra cultura desde el Antiguo Testamento. Las brujas..., a mi modo de entender, va mucho más allá de la brujería, Dios o el demonio. El conflicto de la obra se plantea en un contexto religioso, pero es completamente político. En una sociedad de orden, éste sólo se conserva mediante la represión, el terror.

Demasiado actual para pasarlo por alto.


Reparto: Míriam Alamany, Nausicaa Bonnín, Marta Closas, Borja Espinosa, Miquel Gelabert, Núria González i Llausí, José Hervás, Lluís Homar, Carles Martínez, Anna Moliner, Nora Navas, Albert Prat, Carme Sansa, Yolanda Sey, Joana Vilapuig

Equipo artístico: Arthur Miller (Texto), Eduardo Mendoza (Adaptación teatral), José Luis López Muñoz (Versión literaria), Andrés Lima (Dirección), Beatriz San Juan (Escenografía y vestuario), Valentín Álvarez (Iluminación), Jaume Manresa (Música), Jordi Ballbé (Espacio sonoro), Toni Santos (Caracterización), David Ruano (Fotos), ByG / Isidro Ferrer (Cartel), Paz Producciones (Vídeo)

Jardiel, un escritor de ida y vuelta

Domingo, 15 de enero de 2017

Un marido de ida y vuelta fue escrita por Enrique Jardiel Poncela durante el verano de 1939. En ella, Pepe, marido de Leticia, fallece repentinamente durante la preparación de una fiesta de disfraces, no sin antes hacerle prometer al apuesto Paco Yepes que no se casará con la viuda. Paco no cumple su promesa. Dos años después de la muerte de Pepe, durante los tres primeros meses del segundo matrimonio de Leticia, comienzan a producirse sucesos extraños en la casa: la luz se enciende y se apaga, el piano toca solo y un libro de sonetos de Shakespeare cambia de lugar continuamente. El fantasma de Pepe, disfrazado de torero, comienza a hacerse visible para pedir cuentas a la familia sobre la promesa incumplida. ¿Recuperará Pepe el amor eterno de Leticia? 

Así comienza la trama de esta farsa en tres actos que el propio Jardiel definía como hija del Humorismo y de la Poesía. Jardiel, un escritor de ida y vuelta revisita la inolvidable comedia del gran renovador del teatro cómico en España con una nueva propuesta en la que la semblanza y vida del propio autor se entrelaza, casi a modo de contrafigura, con las andanzas, obsesiones, manías y querencias de Pepe, Paco y Leticia. Este montaje, de inspiración marcadamente pirandeliana, subraya el marcado contraste entre la pura comicidad de la dramaturgia de Jardiel frente al retrato de sus propios conflictos vitales –el contexto histórico de la España que le tocó vivir, su difícil relación con las mujeres (en cualquiera de sus estados y realidades) o los continuos enfrentamientos con buena parte de la crítica y el público de su época-. Un homenaje, casi un manifiesto a favor de este creador visionario que debiera ocupar un justo lugar entre los más grandes dramaturgos del siglo XX.


Reparto: Chema Adeva, Felipe Andrés, Raquel Cordero, Paco Déniz, Jacobo Dicenta, Luis Flor, Carmen Gutiérrez, Paco Ochoa, Paloma Paso Jardiel, Lucía Quintana, Cayetana Recio, Macarena Sanz, Juan Carlos Talavera, Pepa Zaragoza

Equipo artístico: A partir de la obra de Enrique Jardiel Poncela, Ernesto Caballero (Versión y dirección), Ramón Paso (Asesor dramaturgia), Paco Azorín (Escenografía), Ion Anibal (Iluminación), Juan Sebastián Domínguez (Vestuario), Luis Miguel Cobo (Música y espacio sonoro), Juanma Casero y María Loles (Ayudantes de dirección), ByG / Isidro Ferrer (Cartel), marcosGpunto (Fotos), Paz Producciones (Vídeo)

Familie Flöz

Miércoles, 20 de julio de 2016

TEATRO DELUSIO juega con las inumerables facetas del mundo del teatro; entre escenario y entre bastidores, entre la ilusión y la desilusión, se genera un espacio mágico lleno de humanidad conmovedora.

Mientras la parte de delante se convierte en la de atrás  y la de atrás en la de delante; mientras que en el escenario, que sólo podemos intuir, se presentan todos los géneros del teatro, desde ópera opulenta, pasando por desenfrenados combates de espada y conspiraciones a sangre fría, hasta ardientes escenas de amor, tres tramoyistas, Bob, Bernd e Iván, luchan por su existencia.

Tres incansables ayudantes, separados sólo por un exiguo bastidor de las brillantes estrellas del escenario, y sin embargo a años luz de ver realizado su sueño, luchan por alcanzar su felicidad:

Bernd, el sensible del trío, busca satisfacción en la literatura, y la encuentra de repente en forma de una bailarina tardía.

La añoranza de Bob hacia el reconocimiento le llevan al triunfo y a la destrucción.

Iván, el jefe del contraescenario, no quiere perder su poder en el teatro y termina perdiendo todo.

Su vidas a la sombra de los focos se une una y otra vez maravillosamente con el resplandeciente mundo de los focos.

De repente los tres están sobre las famosas tablas que significan un mundo para ellos.

Con su nueva puesta en escena FAMILIE FLÖZ ha logrado un pequeño milagro.La obra, muy rica en poesía, en la que sólo participan máscaras convierte en primera línea la sala en un lugar mágico.La comunicación se efectua a través de lenguaje corporal enriquecido con brillantes juegos de luz y sonido. Todo proceso espiritual es exteriorizado, ocurren muchas cosas entre los tres hombres y no estan solos en esto… Bailan, languidecen, combaten, aman y sufren. Una danza vertiginosa, con arte deslumbrante, con humor y con tonos suaves. Grandiosos payasos muy sensibles. Zitty Berlín, 2004   

LA COMPAÑIA - FAMILIE FLÖZ     

Las dificultades inherentes a nuestro trabajo  son la raíz de su propio encanto. Intentamos ser al mismo tiempo actores y directores, autores y artesanos que confeccionan máscaras, dramaturgos y productores. Es lo que pretendemos.

Nuestros proyectos no arrancan de una base textual. Lo primero que nos ocupa -y nos preocupa- es la modulación de figuras y situaciones teatrales. Así surgen, espontáneamente, las máscaras. Igual que el texto que conduce una acción teatral, la MASCARA viene a ser no sólo un manantial de formas sino también la plasmación de un contenido. Las primeras máscaras, con las que comenzamos a movernos en los ensayos, sólo suponen un intento de aproximación a la búsqueda de una figura escénica. En el devenir de los ensayos, las máscaras se van modificando y enriqueciendo con tonos y acentos que les aporten nueva capacidad expresiva. Desde las primeras experiencias sobre las posibilidades escénicas de una máscara hasta el momento en que se logra alcanzar un grado optimo de simbiosis entre el actor y su máscara, se vive un proceso que resulta determinante -en el sentido más auténtico del término- para la consecución de nuestro propósito. En este proceso el actor llega a convertirse en autor, no sólo de su propio personaje, también de la obra en su totalidad.

LA MÁSCARA

Parecida a los textos, la máscara exprime no solo una forma sino también un contenido. El proceso de la evolución de una máscara,pasando por las pruebas de ensayo hasta la simbiosis de actor/máscara,es lo que refleja el resultado.

La paradoja fundamental de las máscaras de ocultar una cara viva con una expresión rígida,para crear una figura vivaz es también lo que motiva y tienta a los actores.

De repente,la máscara sonríe,se enfada,se sorprende,se pone triste o se sonroja.Todo esto pasa en la fantasía del espectador, realmente, sobre el escenario,no ocurre nada de esto.  Es aquí donde la máscara pierde su rigidez y se convierte en una gran fuerza llena de vida.

Somos testigos de la a veces accidentada actividad de tres técnicos entre bastidores, mientras entran y salen los músicos distraídos, las tiernas bailarinas, las divas exultantes. Teatro Delusio ofrece una mirada entrañable, sin palabras, sobre la realidad oculta detrás del mundo de ilusión.

La Familie Flöz, especializada en el trabajo de expresión física, se destaca por sus máscaras. Cada una tiene sus características peculiares; bocas en punta, mofletes colgantes o peinados originales sugieren biografías completas. Pero son los intérpretes quienes hacen que estas máscaras sonrían, se sorprendan, se sonrojen...

Los miembros de esta “familia”, cuyo centro de operaciones está en Alemania, proceden de distintas partes de Europa. La crítica internacional aclamó la función con superlativos: “los olímpicos del lenguaje corporal”; “dan vida al espíritu del teatro”; “hemos visto a las máscaras llorar”; “un gigantesco guiñol imaginario”. “Deberíamos conceder a los Flöz el Premio Charlie Chaplin, si lo hubiera.”

De:                                     Paco Gonzalez, Björn Leese,   Hajo Schüler and Michael Vogel

Con:                                   Paco Gonzalez, Björn Leese, Sebastian Kautz

Director:                         Michael Vogel

Máscaras:                      Hajo Schüler

Vestuario:                      Eliseu R. Weide

Espacio sonoro:           Dirk Schröder

Técnico de sonido:     Amal Gutiérrez

Diseño de luces:           Reinhard Hubert

Técnico de Luces:       Emilio Vallenzuela

Construcción de Escenografía: Tom Weinhold, Stephan Grebe, Eline Ostergaard


Fotografía:                     Dirk Plamböck, Eckard Jonalik

Producción:                    Arena Berlin, Theaterhaus Stuttgart y Familie Flöz

Estreno:                          18.febrero 2004 en Arena Berlin,

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